Esta obra musical titulada “Dime” es propiedad exclusiva de Nelson Jesús González Vázquez. Se permite su reproducción y distribución sin fines comerciales, siempre que se otorgue atribución clara y visible al autor. Queda estrictamente prohibido el uso comercial, monetización directa o indirecta sin autorización expresa del autor. En caso de uso comercial no autorizado, el autor se reserva el derecho de exigir compensación económica proporcional o total, además del reconocimiento público de autoría. Esta licencia no otorga derechos de modificación, remezcla ni creación de obras derivadas. Cualquier uso que contravenga estos términos será considerado una infracción ética y legal. Esta licencia queda registrada con sello de tiempo y huella digital en Safe Creative.

“Antes de irte de mí” es una balada rock íntima y emocional, escrita e interpretada por Toni Parra. Combina guitarra española, cuerdas y una atmósfera cálida y nocturna, con un mensaje profundo sobre el amor que persiste incluso en la despedida. Su producción mezcla sensibilidad acústica y matices eléctricos con una interpretación cercana y sentida.

“La Partida” es una canción de flamenco fusión contemporáneo con tintes de canción de autor. Combina guitarras españolas, cajón, bajo y palmas en un ritmo 4/4 aflamencado, con un cierre apoteósico tipo bulería. La letra aborda el desengaño amoroso desde la dignidad, la autoafirmación y el orgullo andaluz, transitando del dolor a la liberación.

ELEGANT BOSSA JAZZ (3): gentle breeze – brisa leve es el tercer volumen de la serie instrumental creada por Alfredo Erias. Las piezas, tituladas Brisa con numeración secuencial, forman un conjunto armónico y cohesionado, inspirado en la fusión entre la bossa nova y el jazz. Con la delicadeza de la guitarra de nylon y el soplo expresivo de la trompeta, el álbum crea una atmósfera de serenidad e introspección. Cada tema sopla como una brisa suave, invitando a la meditación, al relax y al reencuentro con uno mismo. Una música que no solo acompaña la vida, sino que también cura el alma.

ELEGANT BOSSA JAZZ (3): gentle breeze – brisa leve es el tercer volumen de la serie instrumental creada por Alfredo Erias. Los temas, titulados Brisa con numeración secuencial, forman un conjunto armónico y cohesionado, inspirado en la fusión entre la bossa nova y el jazz. Con la delicadeza de la guitarra de nylon y el expresivo soplo de la trompeta, el álbum crea una atmósfera de serenidad e introspección. Cada tema sopla como una suave brisa, invitándote a meditar, relajarte y reconectarte contigo mismo. Una canción que no solo acompaña la vida, sino que también sana el alma.

Descripción de la música “Estaba escrito” La producción musical de “Estaba escrito” fue el resultado de un proceso largo, cuidadoso y con numerosas pruebas. Desde el inicio, la idea fue clara: crear una bachata con un sonido moderno y bailable, pero que al mismo tiempo conservara la esencia emocional que la letra transmitía. Sin embargo, llegar a ese equilibrio no fue un trabajo inmediato. Se realizaron decenas de pruebas distintas antes de alcanzar la versión definitiva. En cada una de ellas se variaron elementos clave como el tempo, el protagonismo de los instrumentos, la mezcla entre lo acústico y lo moderno, y la manera en que la voz debía transmitir el sentimiento de inevitabilidad que contiene la historia. Algunas maquetas resultaban demasiado modernas, con guitarras electrónicas y texturas digitales que alejaban la canción de su raíz bachatera; otras, en cambio, quedaban demasiado tradicionales y no lograban sorprender. Uno de los aspectos más trabajados fue el uso de prompts específicos aplicados a la letra. Se hicieron pruebas donde cada verso recibía un tratamiento diferenciado, con instrucciones pensadas para resaltar la emoción de cada fragmento: más suavidad en los versos introspectivos, más fuerza en los coros, más dramatismo en el puente. Estos experimentos mostraron las dificultades y también las posibilidades de integrar la letra con la música de una manera más orgánica. Paralelamente, también se trabajó en prompts generales que describían el estilo musical global. Se probaron descripciones centradas en una bachata más dominicana, en otra más moderna, en combinaciones híbridas e incluso con variaciones de velocidad. En algunos intentos, el tempo era demasiado lento y no transmitía la energía necesaria; en otros, la velocidad excesiva restaba claridad a la interpretación vocal. Finalmente, se consolidó un ritmo medio que equilibra la emoción con el carácter bailable. La instrumentación también pasó por numerosos ajustes. Hubo versiones donde la guitarra requinto dominaba en exceso y otras donde la percusión quedaba demasiado relegada. Tras múltiples pruebas, se encontró un balance donde la güira y el bongó aportan ritmo y sabor, el bajo sostiene con fuerza y groove, y las guitarras acompañan con melodía sin perder naturalidad. La producción incluyó también capas de arreglos modernos que aportan frescura, pero siempre con la precaución de no borrar la esencia bachatera. Otro punto que se revisó con detalle fue la expresividad vocal. Desde el inicio, se buscó una interpretación con matices, capaz de pasar de la vulnerabilidad en los versos más íntimos a la fuerza emocional en los coros. Se hicieron múltiples pruebas de mezcla y de tratamiento de la voz hasta encontrar la textura que mejor comunicara la profundidad del mensaje: la certeza de que hay amores que, aunque se intente evitarlos, están destinados a suceder. Todo este proceso de ensayo y error demuestra claramente que “Estaba escrito” no fue el resultado de un solo intento automático, sino de un camino de exploración creativa en el que se ensayaron distintas direcciones, se corrigieron excesos y se ajustaron detalles hasta lograr una versión coherente y emocionante. El resultado final es una bachata que suena actual y bailable, con un aire fresco y variaciones dinámicas que sorprenden al oyente, pero que al mismo tiempo conserva la raíz dominicana y la carga sentimental de la letra. Es, en definitiva, una obra fruto de la experimentación, la revisión constante y la búsqueda consciente de un sonido único que acompañe de manera fiel a la historia que narra la canción.

La creación musical de “En el colmadón se baila” fue un proceso amplio y muy trabajado, que pasó por numerosas pruebas antes de llegar a la versión definitiva. La canción tenía un objetivo claro: capturar la energía popular del colmadón y transformarla en una bachata auténtica, alegre y festiva, con todo el sabor dominicano. El punto de partida fue la letra, muy marcada por imágenes cotidianas de la cultura del colmadón: los amigos, la cerveza, la güira sonando, el ambiente de calle. A partir de ahí, se buscaron arreglos musicales que reforzaran ese carácter bailable y comunitario. Sin embargo, el camino no fue lineal: se hicieron más de 20 pruebas distintas, cambiando instrumentos, tempos y detalles de estilo hasta encontrar el resultado que transmitiera de verdad el espíritu de la canción. En algunas maquetas iniciales, el ritmo era demasiado lento y no reflejaba la intensidad de un colmadón encendido. Se probaron versiones más rápidas, con mayor presencia de la percusión, hasta consolidar un tempo enérgico y medio-rápido que invita a bailar desde los primeros compases. Otro aspecto clave fue el papel de los instrumentos. En varias pruebas el requinto y la guitarra llevaban demasiado protagonismo, lo que hacía que la canción sonara demasiado pulida y se perdiera la sensación de calle. Por eso, se ajustó el balance para que la güira y el bongó ganaran presencia, logrando así un sonido más crudo y auténtico. También hubo cambios en la atmósfera general: algunas pruebas incluían arreglos modernos que, aunque interesantes, alejaban la canción de su raíz popular. Se decidió mantener un sonido más tradicional y directo, que evocara el ambiente real de un colmadón, pero con la calidad suficiente para funcionar en plataformas musicales internacionales. Este proceso de prueba y error, con ajustes en los prompts, en la instrumentación y en la producción, demuestra que no fue un trabajo automático. Cada paso implicó tomar decisiones creativas, descartar versiones y perfeccionar detalles hasta conseguir una música que respira alegría, autenticidad y sabor dominicano. El resultado final es una bachata festiva y bailable, que refleja no solo la fuerza de la cultura popular, sino también un proceso creativo consciente, lleno de matices y de intervención humana en cada etapa.

Descripción de la música Título de la obra: Libre sin ti (Música) Género: Bachata (enraizada en la tradición dominicana, carácter bailable y enérgico) La música de Libre sin ti está concebida como una bachata dominicana rápida, rítmica y muy bailable, con un swing marcado que impulsa la pista de principio a fin. La pieza prioriza una sonoridad acústica y orgánica: percusión viva y cercana, bajo con caminar firme que sostiene la armonía, y guitarras que alternan entre la base rítmica y líneas melódicas de respuesta. La entrada plantea un clima inmediato de pista con percusión clara y un motivo melódico breve que presenta el color de la obra. A partir de ahí, la estructura descansa en un verso–pre–coro de frases concisas que preparan un coro amplio y memorable, pensado para cantarse y bailar con naturalidad. Tras el primer bloque, la música ofrece respiraciones instrumentales y pequeños llamados–respuesta entre la melodía principal y la base rítmica, aportando variedad sin romper el pulso del baile. El coro se apoya en una progresión armónica luminosa y directa, con acentos rítmicos que refuerzan palabras clave de la línea vocal; el resultado es un estribillo pegadizo que se fija con facilidad. En la sección central, un pasaje instrumental breve retoma el motivo principal, eleva la energía y deja espacio para el lucimiento musical sin perder el enfoque en la canción. El cierre recupera el estribillo con mayor intensidad dinámica, buscando un final alto en pista, claro y celebratorio. En conjunto, Libre sin ti equilibra claridad melódica y impulso rítmico, evitando arreglos recargados: la prioridad es que la música respire, que el baile fluya y que la emoción de la voz se sostenga en una base viva, cálida y auténticamente dominicana. Descripción del proceso creativo (Música) El objetivo artístico fue lograr una bachata auténtica y bailable que transmitiera libertad y renovación. Para llegar a la versión final se realizaron más de 20 pruebas con variaciones de tempo, dinámica, acentos y micro-arreglos. A grandes rasgos, el proceso siguió estas etapas: Definición del pulso y energía: Se partió de un rango rápido para asegurar sensación de pista. Se compararon varias velocidades cercanas, comprobando qué tanto favorecían el swing y la claridad de la voz. Se eligió un pulso que permitiera bailar con soltura sin perder definición en los detalles rítmicos. Dirección tímbrica y enfoque acústico: Las primeras maquetas testearon combinaciones de textura; se descartaron capas modernas que restaran organicidad. Se consolidó un marco acústico con percusión nítida, bajo definido y guitarras con ataque claro, manteniendo aire y cercanía. Motivo melódico principal (hook): Se elaboraron varias células melódicas cortas para identificar un motivo reconocible que dialogara con el estribillo. Tras múltiples intentos (cambiando intervalos, duración y acentos), quedó una línea cantable que funciona tanto como figura de entrada como respuesta al coro. Variedad sin perder el groove: Para evitar sensación de “bucle”, se diseñaron microcambios entre secciones: ligeras variaciones de patrón, refuerzos de síncopa en pre-coro y pequeñas respuestas melódicas entre frases. El objetivo fue mantener el impulso constante y, al mismo tiempo, ofrecer frescura en cada vuelta. Trabajo de transiciones (verso → pre → coro): Se probaron múltiples combinaciones de pickup y anticipaciones rítmicas para que la entrada al coro resultara natural y potente. Algunos intentos quedaban cortos de tensión; otros, sobrecargados. La versión final equilibra claridad y empuje, con una subida que “abre” el estribillo. Espacios instrumentales medidos: Se ensayaron distintas ubicaciones y longitudes para el momento instrumental del centro. La decisión final fue un pasaje conciso, efectivo, que eleva sin distraer del eje vocal y devuelve al coro con más energía. Dinámica y arco emocional: Se diseñó un recorrido que arranca firme, crece en el primer coro, respira en el intermedio y culmina alto en el coro final. La mezcla prioriza claridad rítmica y lectura melódica, para que la emoción de la voz esté siempre al frente, bien sostenida por la base. Decisiones finales y consolidación: Las últimas iteraciones se concentraron en detalles: balance entre base y melodía, limpieza de ataques para mayor definición en pista, y pequeños ajustes de acento para que cada sección “caiga” en el lugar exacto. La versión definitiva se eligió por su pegada bailable, su motivo melódico claro y la coherencia del arco completo. Conclusión: El proceso fue deliberadamente iterativo: muchas pruebas, cambios finos y escucha comparativa hasta alcanzar una música directa, orgánica y muy bailable. Libre sin ti queda como una bachata de carácter dominicano, con swing enérgico, motivo melódico identificable y una estructura que favorece tanto la emoción de la voz como el disfrute en la pista.

"Destinados" es una bachata romántica con un aire fresco y actual, inspirada en el estilo bachatero español. La canción narra una historia de amor marcada por el destino, con un sonido limpio y orgánico. A través de guitarras bachateras, requinto, bongos, güira y bajo, crea una atmósfera íntima y apasionada, ideal tanto para escuchar como para bailar. Su estribillo pegadizo y sus versos emotivos transmiten la fuerza de un amor que nunca fue casualidad, consolidándola como una pieza destinada al público joven y adulto amante de la bachata moderna.

Título: Baila y Ríe Año de creación: 8 de septiembre de 2025 Duración: 2:51 Idioma: Español Estilo: Pop Variación de Estilo: Alegre y enérgico Intérprete: Zafira (voz sintética femenina) Descripción de la obra: "Baila y Ríe" es un tema pop moderno, alegre y enérgico, interpretado por Zafira (voz sintética femenina), que transmite diversión, libertad y espíritu despreocupado. La canción presenta riffs de guitarra eléctrica vibrantes, bajo y silbidos que aportan texturas juguetonas y dinámicas. Las voces son expresivas, claras y rítmicas, resaltando la alegría y el goce del momento. La estructura incluye introducción instrumental, versos, pre-coro, coro, puente/interludio juguetón, hook final y outro instrumental. Las secciones instrumentales incorporan riffs de guitarra, silbidos y unison humming junto a la voz, creando un ambiente caprichoso y energético. La producción es limpia, pulida y equilibrada, destacando tanto las voces como los instrumentos, perfecta para un público moderno de pop. La composición, letra y producción fueron desarrolladas bajo dirección humana, con la IA utilizada únicamente como herramienta para la generación de voces e instrumentación profesional siguiendo instrucciones precisas. Letra: Salí a la calle con una sonrisa, mi madre me dice, “hoy no improvisas”. Pero yo solo quiero reír, saltar, y que todo el mundo me vea bailar. Cada paso me hace brincar, una chispa traviesa no quiere callar. ¡Hoy solo quiero divertirme! Que todos sientan mi alegría. ¡Hoy solo quiero bailar y reír! Entre risas y juegos, quiero estar. El teléfono suena, risas por doquier, la música nos llama a mover los pies. Nada nos frena, vamos a saltar, este momento es nuestro, a gozar. Cada paso me hace brincar, una chispa traviesa no quiere callar. ¡Hoy solo quiero divertirme! Que todos sientan mi alegría. ¡Hoy solo quiero bailar y reír! Entre risas y juegos, quiero estar. Deja que el ritmo nos haga jugar, donde todo puede empezar. ¡Hoy solo quiero divertirme! Que todos sientan mi alegría. ¡Hoy solo quiero bailar y reír! Entre risas y juegos, quiero estar.

Description of the work: Title: Dance and Smile Creation Date: September 8, 2025 Duration: 2:51 Language: English Style: Pop Style Variation: Cheerful and energetic Performer: Zafira (female synthetic voice) "Dance and Smile" is a modern, upbeat pop track, cheerful and energetic, performed by Zafira (synthetic female voice), conveying fun, freedom, and a carefree spirit. The song features vibrant electric guitar riffs, bass, and whistle sounds that add playful and dynamic textures. Vocals are expressive, clear, and rhythmic, highlighting joy and the enjoyment of the moment. The structure includes an instrumental intro, verses, pre-chorus, chorus, playful bridge/interlude, final hook, and instrumental outro. Instrumental sections incorporate unison humming and whistles alongside the guitar, creating a whimsical and energetic atmosphere. The production is clean, polished, and well-balanced, emphasizing both vocals and instruments, perfect for a modern pop audience. The composition, lyrics, and production were developed under human direction, with AI used solely as a tool to generate professional vocals and instrumentation following precise instructions. Lyrics: I hit the street with a smile on my face, my mama tells me, “don’t leave it to chance.” But all I want is to laugh, to jump, and let the whole world see me dance. Every step just makes me rise, a cheeky spark that never hides. Tonight I only want to have fun! Let everybody feel my joy. Tonight I only want to laugh and run, in the games and laughter I’ll enjoy. The telephone rings, laughter everywhere, the music calls us, feet up in the air. Nothing can stop us, we’re here to jump, this is our moment, time to pump. Every step just makes me rise, a cheeky spark that never hides. Tonight I only want to have fun! Let everybody feel my joy. Tonight I only want to laugh and run, in the games and laughter I’ll enjoy. Tonight I only want to have fun! Let everybody feel my joy. Tonight I only want to laugh and run, in the games and laughter I’ll enjoy.

Título: El Hambre del Corazón Año de creación: 8 de septiembre de 2025 Duración: 3:34 Idioma: Español Estilo: Modern Pop / Balada / Rock Variación de Estilo: Dramática / Épica Pop-Rock Intérprete: Zafira (voz sintética femenina) Descripción de la obra: "El Hambre del Corazón" es una balada poderosa y dramática con influencias de rock, interpretada por la voz femenina sintética de Zafira (IA), que transmite emoción, fuerza y autenticidad. La canción narra el reencuentro con la pasión y la esencia personal, siguiendo la historia de una mujer que conecta con su niña interior y redescubre lo que realmente le da vida y propósito. Con instrumentación completa —guitarra eléctrica, bajo, batería y efectos de silbidos juguetones— y coros épicos, la producción moderna combina momentos introspectivos con liberación emocional, ofreciendo una experiencia musical cinematográfica y motivadora. Composición, letra y música originales de Ritmik Fabrik. Esta obra musical fue creada por Renato Maximiliano Guedes Vázquez, bajo el seudónimo artístico Ritmik Fabrik, como parte de un proyecto innovador que fusiona creatividad humana con herramientas de inteligencia artificial (IA) para la composición y producción musical. El proceso creativo fue dirigido, supervisado y controlado íntegramente por el autor humano, quien definió letra, estructura, melodía, estilo y emocionalidad de la obra. La IA fue utilizada únicamente como herramienta técnica para generar bases musicales y voces sintéticas, siguiendo estrictas indicaciones y parámetros artísticos provistos por el autor. Se deja constancia que la voz utilizada es una interpretación virtual generada por IA (Zafira), sin correspondencia con personas físicas ni uso de samples o material protegido por terceros. Toda la música y letra son originales y no contienen plagios ni elementos que vulneren derechos de autor ajenos. El autor asume la plena responsabilidad moral y patrimonial sobre esta obra, y declara ser el titular único de todos los derechos asociados a la misma. Este proyecto artístico representa una exploración y expansión del lenguaje musical, donde la tecnología actúa como un soporte al talento humano, preservando la autenticidad y la intención creativa de Ritmik Fabrik. Letra: En un sueño me encontré con la niña que fui ayer… “¿Por qué te mueres de hambre?” me preguntó sin dudar, “no hablo de tu cuerpo, es tu alma que no da más”. Yo le dije “estoy bien, tengo todo lo que soñé”, pero en sus ojos vi la verdad que no quise ver. No hablo de ese hambre, hablo de tu corazón, late en vacío cuando olvida la pasión. No hablo de ese hambre, hablo de recordar: lo que eras de niña, no lo dejes escapar. Toda mi vida soñé con dar amor al crear, pero me fui muy lejos, y me empecé a olvidar. La niña me abrazó, la pasión que en mí dormía volvió a vivir otra vez. No hablo de ese hambre, hablo de tu corazón, late en vacío cuando olvida la pasión. No hablo de ese hambre, hablo de recordar: lo que eras de niña, no lo dejes escapar. Vuelvo a sentir, vuelvo a vivir, la niña en mí sonríe, la pasión renace, ya nada me detendrá. No hablo de ese hambre, hablo de tu corazón, late en vacío cuando olvida la pasión. No hablo de ese hambre, hablo de recordar: lo que eras de niña, no lo dejes escapar.

Tema de smooth jazz en tonalidad de Do mayor (C) y tempo relajado de 80 BPM. La instrumentación se centra en una guitarra acústica protagonista que interpreta la melodía principal con un fraseo lírico y fluido, apoyada por un piano eléctrico cálido y sostenido que aporta la base armónica. La batería con escobillas marca un ritmo swing suave, mientras el bajo eléctrico refuerza la armonía con una presencia discreta y constante. La voz masculina, en registro barítono, se presenta con un estilo relajado y expresivo, incorporando pequeños adornos melódicos. La estructura sigue un patrón verso–estribillo con un interludio instrumental. La producción es limpia y equilibrada, con una ligera reverb en guitarra y voz que genera una atmósfera íntima y espaciosa. El uso de acordes con séptima mayor y menor acentúa el carácter jazzístico y elegante de la pieza.

Canción de rock melancólico en tonalidad menor, interpretada por voz femenina de timbre claro y expresivo, con un aire potente y a la vez introspectivo. La instrumentación combina guitarra acústica en arpegios con guitarras eléctricas limpias y atmosféricas, bajo sólido y batería con groove rockero marcado. Una sección de cuerdas sutil aporta dramatismo y amplitud al conjunto. El tempo es lento, reforzando el carácter sombrío y reflexivo, mientras que la producción equilibra la crudeza rockera con una sonoridad cinematográfica. La estructura sigue un patrón verso–estribillo con pasajes instrumentales que intensifican la tensión. El uso de reverb en voces y guitarras potencia la atmósfera envolvente, y la mezcla final es amplia y dinámica, resaltando la energía rockera sin perder intimidad emocional.

Pieza de folk cinematográfico y melancólico en tonalidad menor, interpretada por voz masculina de barítono profundo y resonante. La instrumentación se centra en guitarra acústica en arpegios, una sección de cuerdas sostenidas que funcionan como pads atmosféricos y un bajo sutil en el registro grave que aporta solidez. El tempo es lento, lo que refuerza el carácter sombrío y reflexivo del tema. La estructura sigue un esquema verso–estribillo con pasajes instrumentales que aportan respiro y dramatismo. La producción presenta una imagen estéreo amplia para las cuerdas y una mezcla íntima y cercana para la voz y la guitarra. El uso de reverb en voces y cuerdas intensifica la cualidad atmosférica y envolvente. La progresión de acordes, mayoritariamente en tonalidad menor, acentúa el tono doliente y contemplativo de la obra.

Tema de electrónica oscura en tonalidad menor y tempo de 120 BPM, interpretado por voz masculina clara con un matiz melancólico y un ligero tratamiento robótico. La instrumentación incluye un bajo sintetizado profundo y protagonista, un arpegio de sintetizador pulsante que sostiene la tensión rítmica y una guitarra eléctrica limpia que aporta contramelodías melódicas. La percusión es electrónica, con bombo y caja marcados y un patrón constante de hi-hats que impulsa el beat. La estructura sigue un esquema verso–estribillo con pasajes instrumentales que intensifican la atmósfera. La producción utiliza reverb en voces y sintetizadores, y mantiene una mezcla ajustada y precisa que enfatiza los elementos rítmicos. El resultado es un sonido enérgico y atmosférico que fusiona synthwave, synthpop y dance pop con toques de electro.

Canción de indie rock melancólico en tonalidad menor, con voz masculina profunda y resonante. El tema se sostiene sobre un ritmo constante y marcado de batería, con hi-hats prominentes y un bombo sólido que le dan impulso. La guitarra eléctrica limpia desarrolla una progresión de acordes arpegiados repetitiva que aporta una base armónica sombría. El bajo eléctrico ejecuta una línea caminante que refuerza el registro grave y da cuerpo al conjunto. La melodía vocal es sencilla y repetitiva, centrada en transmitir oscuridad e introspección. La producción es clara, con una ligera reverb en voces y guitarra que genera un ambiente espacioso pero íntimo. El tempo es moderado, contribuyendo al carácter reflexivo de la pieza. La estructura sigue un esquema verso–estribillo con secciones instrumentales que mantienen los elementos melódicos y rítmicos principales. La mezcla final es equilibrada, permitiendo distinguir cada instrumento sin opacar la voz.

“Ron con resaca” es una canción de autor con aire bohemio y urbano, inspirada en la estética poética y decadente de los bares de madrugada. Con voz rota e interpretación más recitada que cantada, la obra combina letras intimistas y melancólicas con el acompañamiento austero de una guitarra española. Es un relato de amor y condena, donde la ternura se mezcla con la ironía y la nostalgia de un corazón marcado por la pasión y la pérdida.

"Triana" es una pieza de flamenco puro con voz grave y rota, acompañada de guitarra española y cajón flamenco. Inspirada en el Puente de Triana y en las noches de Sevilla, la obra transmite la fuerza del cante jondo con quejíos, palmas y jaleos que evocan pasión, desgarro y memoria. Una historia de amor imposible convertida en cante, donde la tradición andaluza se encuentra con la emoción más íntima.

Descripción de la obra: Canción del género bachata urbana, (130 BPM), caracterizada por una atmósfera alegre estilo bachara . La estructura vocal con una voz masculina principal y generando un diálogo progresivo. La letra de caracter bachata, bailable, amargue y jocoso. este tema es letra original de Jairo Fermin y esta desarollada con ayuda parcial de IA.