Sticker oficial de la marca artística YowG, con diseño estilo graffiti en tipografía urbana. Forma parte del set exclusivo de stickers oficiales y suboficiales utilizados para merchandising, redes sociales y promoción visual.

Logotipo de la marca artística YowG en estilo urbano y futurista, compuesto por el texto “YOWG” en tipografía sólida y moderna en color neón morado, una calavera minimalista centrada y el eslogan “Figura Pública” en mayúsculas. Fondo negro puro, diseñado para branding oficial, merchandising y material gráfico.

Logotipo principal de la marca artística YowG, estilo glitch futurista y oscuro, con calavera violeta y tipografía urbana. Uso para branding, merchandising, redes sociales y material audiovisual.

Retomando las sugerencias de cuentos que abordan la diversidad, de los que ya os hice varias recomendaciones, hoy te traigo más títulos para que disfrutes con tus peques. Todo libro ilustrado es una posibilidad de diversión pero también de aprender, reflexionar, empatizar y dar visibilidad a otras realidades e incluso poner palabras a las propias.  Los peques pueden verse reflejados en algunos de estos personajes o situaciones, y sentirse reconfortados al reconocer que sus diferencias son sólo e

Cuando comenzamos la cuarentena nos quedamos con varias visitas y revisiones médicas pendientes, que decidí cancelar por el temor a salir y, sobretodo, acercarnos a sitios donde pudiese haber mayor riesgo de contagio. Una de ellas era la visita a la odontopediatra de mis peques.  Como os conté hace tiempo, mi hijo pequeño se rompió una paleta cuando apenas tenía un año, quedando la dentina expuesta y creando una caries local que se fue contagiando a los dientes que iban brotando.  En total 4 die

Кімсің сен?! Жанымды таптап, кеткен. Кімсің сен?! Жаралы жүрек, мазақ еткен. Қош бол енді, қайтпа қайта, Сенсіз де күндер атат қайта, қайта.

Кімсің сен?! Жанымды таптап, кеткен. Кімсің сен?! Жаралы жүрек, мазақ еткен. Қош бол енді, қайтпа қайта, Сенсіз де күндер атат қайта, қайта.

"Por mí llevaste la cruz" es una balada de adoración de gran potencia emocional que narra el núcleo del mensaje cristiano: el sacrificio redentor de Jesús en la cruz como un acto personal de amor inmerecido. La canción es un testimonio íntimo y a la vez épico que expresa una profunda gratitud por la salvación recibida, transformando la culpa y la condena en libertad y pertenencia a Dios. Producción y Sonido: La producción es de carácter cinematográfico y anthemic, combinando la calidez del pop acústico con la grandeza de la adoración contemporánea. La base instrumental parte de un piano con arpegios y acordes emotivos, sobre el que se construye una progresión que incorpora guitarras acústicas, cuerdas orquestales y una percusión que crece en intensidad. La canción presenta una estructura dinámica ascendente, comenzando con una intimidad reflexiva en el intro y los versos, para alcanzar su clímax en los coros, donde se suman coros tipo choir que otorgan un carácter triunfante y congregacional. Los elementos de producción incluyen una reverberación cálida que envuelve la voz y los instrumentos, creando una atmósfera devocional y espaciosa. Voz y Emoción: La voz principal masculina o femenina es clara, aunque también se puede cantar en DUO o coral, expresiva y llena de convicción. Su interpretación transmite una vulnerabilidad transformada en fortaleza, transitando desde un registro de asombro reverente en las estrofas hasta una declaración apasionada y liberadora en los coros. El uso de un vibrato moderado y frases sostenidas enfatiza la solemnidad y la entrega emocional. La emoción central es una gratitud desbordante y una seguridad redimida, que nace del reconocimiento de haber sido rescatada del "abismo" por un amor incondicional. Análisis de la Letra: La letra es un viaje teológico y emocional desde la culpa y la desesperación hacia la gratitud y la consagración total. Intro y Versos: Establecen el punto de partida de vulnerabilidad humana ("Cuando el mundo me cayó encima / y no había salida ni luz") y el reconocimiento del carácter inmerecido del sacrificio ("No merecía ese amor tan grande"). Describen la acción central de Jesús: "en mi lugar Él se entregó", "Cargó el peso de mis faltas". El segundo verso profundiza en la identificación personal con el sufrimiento ("En ese madero sufriste / lo que yo debía pagar") y el resultado transformador ("Ya no cargo mi vergüenza"). Coro: Es la declaración personal y el corazón de la canción. La repetición de "Por mí llevaste la cruz" es la afirmación teológica central, expresada como un acto de amor personalizado. La enumeración de los resultados de ese acto es contundente: "Me rescataste del abismo / me diste vida y libertad". La pregunta retórica "Jesús, Jesús, cuánto te debo" y la respuesta "toda mi gratitud y más" resumen la respuesta del creyente. Puente (Bridge): Representa el clímax de la consagración y la respuesta al amor recibido. La declaración "No hay amor más grande que este / dar la vida por el que falló" cita la esencia del evangelio. La conclusión es de entrega total: "Hoy te entrego todo lo que soy / porque ya no me pertenezco / soy tuyo, Señor, soy tuyo", que se convierte en la respuesta activa del creyente. Outro: El cierre es simple y profundo, reducido a una oración de agradecimiento repetida: "Gracias, Señor… por la cruz, por tu amor". Este final íntimo deja resonar la gratitud personal más allá de la música, como un eco del corazón. En conjunto, "Por mí llevaste la cruz" es una poderosa balada de adoración que combina una producción cinematográfica con letras teológicamente profundas y emocionalmente resonantes, ofreciendo al oyente un espacio para la reflexión, el arrepentimiento y la entrega total en respuesta al amor sacrificial de Cristo.

"Amor en Modo Avión" es un tema de pop urbano enérgico y empoderador que utiliza la metáfora tecnológica para declarar una independencia emocional total. La canción celebra la decisión de desconectarse de un amor tóxico o del pasado para reencontrarse con la autonomía, el placer del presente y el autogobierno. Producción y Sonido: La producción es vibrante, moderna y contagiante, diseñada para el baile. Está construida sobre una base de ritmo four-on-the-floor que impulsa la canción, sintetizadores brillantes y una línea de bajo bailable. La instrumentación crea una atmósfera de energía liberadora y un feel-good vibe clubístico. El coro es antémico y construye hacia un drop de alta energía poderoso, con una melodía memorable que se fija fácilmente en el oyente, invitando a la repetición y al empoderamiento. Voz y Emoción: La voz femenina (o DUO) es dulce pero enérgica, con un tono que transmite confianza, desapego y determinación. Su entrega es asertiva y llena de actitud, alternando entre frases declarativas y un flow rítmico que se adapta al beat. La emoción central es de liberación y autoafirmación: la de quien ha tomado el control, ha apagado las notificaciones del corazón herido y decide ser su "propia obsesión". Análisis de la Letra: La letra es un manifiesto de independencia, utilizando un lenguaje contemporáneo y directo para establecer límites y reclamar el espacio personal. Versos: Establecen la escena de ruptura y autoafirmación. Imágenes como "Luces rojas, sudando el cristal" y "Tacones altos, cara criminal" pintan un cuadro de una noche de salida y transformación. Declaraciones como "No me debes, no te debo más" y "No soy tu 'tal vez', ni tu después" cierran cuentas y reafirman el valor propio en el presente ("soy el ahora"). Pre-Coro: Actúa como un corte claro. "No preguntes dónde estoy / No me sigas el show" establece un límite, mientras "Esta noche no soy tu error / Soy mi propia obsesión" marca el giro crucial: la atención y la prioridad ahora están en una misma. Estribillo (Coro): Es el núcleo del concepto. La metáfora "Tengo el amor en modo avión" significa una desconexión deliberada de las emociones caóticas y la comunicación con esa persona. "No hay conexión pa' tu corazón" es una afirmación de desvinculación. La línea "Me pego lento al reggaetón / Sudando culpa y tentación" sugiere una inmersión en el presente físico y la música para liberarse. El grito "Que hoy mando yo" es la declaración de empoderamiento central. Puente (Bridge): Es la parte más directa y definitiva. La serie de órdenes ("No me llames / No me busques / No me esperes / Ya me fui") es un cierre total. Acciones como "Borro tu nombre de mi rol" y "el amor se quedó sin voz" simbolizan la eliminación activa de esa persona de la vida y del narrativa emocional. Outro: La repetición de "Modo avión" refuerza el estado mental deseado y logrado, sellando la canción en su mantra de desconexión y control. En conjunto, "Amor en Modo Avión" es un himno de autoestima y liberación posruptura, que transforma el dolor en poder a través de un ritmo irresistible y una letra que celebra el placer de mandar en la propia vida.

Es una Balada Acústica, emocional con guitarra acústica. Una confesión en el silencio. Una producción desnuda, cruda e íntima donde solo habitan una voz femenina o masculina frágil y el rasgueo suave de una guitarra acústica. Esta elección artística no es casual; es el vehículo perfecto para la historia de duelo y memoria que cuenta la letra. La Música como espejo de la Letra: La "interpretación cruda y sin pulir" es el alma de la canción. No hay efectos que escondan el temblor en la voz, ni arreglos que distraigan del peso de las palabras. Esta austeridad sonora refleja fielmente el vacío que describe al o la cantante: la casa silenciosa, el fuego apagado, el café que se enfría. La guitarra, tocada con los dedos, fluye como un río de melancolía constante, sosteniendo el flujo de recuerdos sin interrupciones. Análisis de la Narrativa y su Evolución La letra es un ejercicio de duelo a través de los objetos cotidianos, donde lo insignificante se vuelve un monumento a la ausencia. El Museo de los Recuerdos: La canción comienza con una fotografía estática de la ausencia. El sillón con la forma, el café frío, la chaqueta que "ya no huele a tabaco ni a ti". Son reliquias de un pasado que ya no existe. El puente de la primera estrofa es devastador en su simpleza: al limpiar, borra sin querer una marca física de la persona, un acto que simboliza la lenta erosión de su presencia en el mundo tangible. La Metáfora Central: El pre-coro introduce la idea más potente: "esta casa es un eco, un museo de lo que un día fue". La narradora se define a sí misma como "la cuidadora de un fuego que ya no calienta". Esta es una metáfora brillante de su papel en esta nueva realidad: mantiene las formas, las rutinas y el espacio, pero sin el calor, la vida y el propósito original. Es un deber sin recompensa. La Dualidad del Coro: Duelo y Esperanza: El coro encapsula la contradicción del corazón herido. Por un lado, la aceptación de la pérdida: "el amor se fue con la calma, como el polvo que se lleva el viento". Es una partida silenciosa e irreversible. Las "marcas en el espejo" y el "silencio que duele" hablan de la huella interna, del autorretrato de una persona transformada por el dolor. Por otro lado, surge un destello de esperanza obstinada. En el "rincón más oscuro" (el lugar de mayor dolor), ella guarda intacta la esperanza de que él vuelva "a limpiarlo conmigo". Este deseo de compartir una tarea doméstica tan mundana como limpiar se convierte en el símbolo máximo de reconciliación y vida compartida. La Confirmación de la Pérdida (Estrofa 3): La tercera estrofa profundiza en el abandono. La planta de albahaca se seca, símbolo de la vida que no se pudo sostener en su ausencia. El cuadro que "odiabas", por fin, se cae. Son detalles que confirman que la relación y su mundo conjunto se desintegran. El Golpe Final (Puente 2): El momento de mayor claridad emocional llega con el segundo puente: "Me dijiste 'las cosas cambian', pero no me avisaste que esto era el final disfrazado de un simple martes por la tarde". Aquí, la voz debe transmitir una tristeza mezclada con desilusión. La gran tragedia no fue dramática, sino ordinaria, lo que la hace más dolorosa y relatable. Conclusión: Es más que una canción triste; es un retrato íntimo del duelo en su estado más puro. La elección de una producción minimalista convierte la escucha en una experiencia casi invasiva, como si estuviéramos escuchando los pensamientos más privados de la cantante. El estado de ánimo general, es reflexivo y melancólico, pero esa "tranquila sensación de resiliencia" nace precisamente de esa esperanza que se aferra en el coro. No es una esperanza alegre, sino una fuerza tranquila y testaruda que se niega a ser extinguida por completo, incluso cuando todo a su alrededor son escombros y silencio. Es esta combinación de vulnerabilidad cruda y tenue resiliencia lo que hace de la canción una pieza profundamente conmovedora, con un corazón herido y muy humana.

Libro sobre respuestas originales a preguntas filosóficas (ya registrado en el Registro de la Propiedad Intelectual de España). Dibujo de la cubierta del libro incluido (ya registrado en el Registro de la Propiedad Intelectual de España).

Sevillana humorística y satírica compuesta con estructura tradicional de sevillanas (cuatro coplas más estribillo), que parodia los tópicos y excesos de la Feria de Abril de Sevilla. La pieza gira en torno al estribillo recurrente “Yo no bebo, yo no bailo, yo solo vengo por un día, incadas tengo las piernas en el albero, ya estoy mamao de por vida”, expresado en tono irónico y cómico, representando al clásico personaje que niega sus intenciones festivas pero acaba completamente entregado al ambiente ferial. Letra original y música creada con fines humorísticos, con estilo folclórico andaluz y referencias culturales populares.

Ezzu Music Oh Oh Tú y Yo Sigo perdido en la noche gris Tu sombra es todo lo que vi En un mar de dudas floté Tu voz la única fe Caminos rotos sin señal Corazón con miedo infernal Tiemblan mis manos al querer Besarte por primera vez En un instante el tiempo se para Nada nos separa tú y yo en la eternidad Es tu sonrisa la estrella que brilla y nada la apaga tú y yo en la oscuridad (en la oscuridad) Sube a mi barco quiero navegar Un viaje de sueños poder despertar Momentos pequeños y así despegar Del suelo al cielo te enseño a volar En un instante el tiempo se para Nada nos separa tú y yo en la eternidad (en la eternidad con mi princesa) Es tu sonrisa la estrella que brilla y nada la apaga tú y yo en la oscuridad (en la oscuridad) En un instante el tiempo se para Nada nos separa tú y yo en la eternidad (tú y yo, tú y yo, corazón) Es tu sonrisa la estrella que brilla y nada la apaga tú y yo en la oscuridad (amarte por siempre amor, tú eres mi luz) Ezzu Music Eres mi luz en la oscuridad

"Quiero estar contigo", letra y música de Jesús Acebedo Martín. A la voz, la cantante Ana Soler. --- LETRA Si yo te digo que es probable que nunca escuches esto que escribo Será delirio ya no sé qué daría por tenerte en mis brazos por ser más que tu amigo Diciembre frío sí, tal vez desafino son los nervios ya sabes y el deseo que grita "quiero estar contigo" Hoy desnudo mi alma sueño con la esperanza que tú sientas lo mismo quiero estar contigo... Quiero estar contigo Si yo te digo que te he escrito estos versos lo mejor que he sabido Si sientes lo mismo sólo queda decirte eres lo más bonito que me ha sucedido Diciembre frío...

Un lamento desgarrador donde el amor se convierte en autoinculpación. La voz del amante confiesa ser el destructor de una relación que alguna vez fue bella. Cada día, su incapacidad para amar correctamente va desgastando el corazón amado. La culpa y el dolor se entrelazan, creando una melodía de arrepentimiento y amor frenético. A pesar de su amor profundo, se siente atrapado en sus propios errores, consciente del daño que inflige y deseando poder evitarlo. Es un canto de autocrítica y amor loco, que duele y quema, pero que también busca redención.

TEMA "YO SOY EL MUNDO DE RETROVIRAL

Soy yo con mi hermano, de bebes, con unas gafas de sol. Míranos, que rechulones.

Mama quien te quiere mas po yo . Frase de pollos