Canción indie folk/alt pop delicada y melancólica sobre la naturaleza efímera del amor y los momentos felices. A través de imágenes suaves y poéticas de la naturaleza y el tiempo, habla de aprender a disfrutar lo bello aunque sea pasajero.

Mi dulce primavera azulado es un poemario que recorre las distintas etapas del amor como un proceso íntimo de transformación emocional y espiritual. A través de una voz poética sensible y reflexiva, la obra transita desde la fe previa al encuentro amoroso, pasando por el despertar de los sentimientos, la intensidad del vínculo, la pérdida y el duelo, hasta llegar a una resignificación del amor en la memoria. El concepto central se sostiene en la idea de que incluso los amores breves pueden dejar huellas profundas, despertando emociones dormidas y revelando aspectos esenciales del ser. El color azul —símbolo recurrente a lo largo del libro— representa lo eterno, lo espiritual y aquello que permanece más allá de la ausencia. Dividido en cinco momentos —El susurro de la fe, La primavera despierta, La tregua y el fuego, Lo que no se quedó y El azul que permanece—, el poemario propone un viaje introspectivo donde el amor no solo se vive, sino que también se comprende, se transforma y se conserva como parte del crecimiento personal. La obra se caracteriza por un lenguaje poético delicado, cargado de imágenes naturales como el cielo, las flores y las estaciones, que acompañan el desarrollo emocional de la narrativa lírica. En su conjunto, este libro invita a contemplar el amor como una experiencia que, aun en su fugacidad, tiene el poder de dejar una huella permanente en el alma.

Cuando la Luz debe morir propone una reinterpretación radical de la estructura simbólica del tiempo humano a partir del análisis comparado de calendarios, mitos y tradiciones religiosas. Frente a la atención habitual concedida al solsticio de invierno como matriz de narrativas de nacimiento y retorno de la luz, esta obra desplaza el foco hacia un eje menos explorado pero decisivo: el equinoccio de primavera y la primera luna llena que lo sigue. A partir de una lectura rigurosa de fuentes astronómicas, antropológicas, históricas y teológicas, el libro sostiene que este eje equinoccial–lunar articula una gramática temporal distinta, asociada no al nacimiento ni a la promesa, sino al cruce irreversible, al sacrificio y a la legitimación de un nuevo orden. La igualdad equinoccial aparece aquí como suspensión sin espesor narrativo; la luna llena, como revelación pública; el sacrificio, como clausura definitiva del pasado; y el llamado “tercer día”, como intervalo necesario para que el cambio sea reconocido como irreversible. El estudio recorre de manera comparada tradiciones mesopotámicas, griegas y mesoamericanas, para luego concentrarse en dos formulaciones históricas decisivas: la Pascua hebrea y la Pascua cristiana. En la primera, el cruce del Mar Rojo y la entrega de la Ley se leen como fundación histórica normada; en la segunda, la cruz, el descenso y la resurrección se interpretan como transformación ontológica del tiempo mismo. En ambos casos, el calendario lunar primaveral no actúa como mero marco ritual, sino como estructura narrativa fundamental. Lejos de reducir el mito a proyección psicológica o a residuo agrícola, Cuando la Luz debe morir muestra cómo ciertos puntos del ciclo anual ofrecieron matrices privilegiadas para narrar experiencias humanas centrales: pérdida, no-retorno, juicio y confirmación. El resultado es una teoría del tiempo que combina repetición cíclica y dirección irreversible, y que permite comprender por qué, cuando la luz ya domina, debe atravesar la muerte para poder gobernar.

“Cantiga da Ausencia”, composta por Alfredo Erias (8-10-2025), é unha peza de profunda sensibilidade atlántica que mestura a delicadeza da composición minimalista celta coa emoción íntima dunha voz feminina protagonista, envolta en arpa e frauta nunha atmosfera de mar, vento e esperanza. A canción transita entre a saudade da espera e a luz do renacer, evocando ondas que veñen e van, o sopro de abril e o latexo dun amor que resiste na distancia. Cunha produción coidada, centrada na voz, e cun desenvolvemento instrumental amplo —intro e final longos con arpexos de arpa e solos de frauta—, esta obra constrúe unha paisaxe sonora emocional onde a ausencia se converte en promesa de regreso e en renovación da vida. Ideal para quen busca música celta contemporánea, composicións instrumentais emotivas, voces etéreas e sons relaxantes con alma, “Cantiga da Ausencia” conecta coa tradición atlántica e coa estética da música evocadora moderna. Un canto á espera, á maternidade, ao amor que permanece e ao renacemento da primavera interior.

Descripción de la Canción: "Ese Amor Se Apagó" Esta canción es una balada acústica desnuda que se reduce a su esencia más pura: una voz femenina o masculina (también un DUO) y una guitarra acústica. La interpretación se siente cruda, íntima y sin pulir de la mejor manera, evocando la atmósfera de una habitación silenciosa donde solo existen el o la cantante y su instrumento. Producción y Sonido: El acompañamiento consiste exclusivamente en una guitarra tocada con fingerpicking suave, que crea un ritmo fluido y gentil. Esta base sostiene el peso emocional de la letra sin ninguna distracción, manteniendo un tono íntimo y personal. No hay batería, piano, efectos ni capas adicionales; solo la resonancia pura de las cuerdas y la entrega sincera de la voz. Voz y Emoción: La voz femenina o masculina (también un DUO) es delicada, frágil y expresiva. Comienza en un registro tranquilo y entrecortado que transmite vulnerabilidad y tristeza, con una dinámica sutil que revela momentos de honestidad temblorosa. Cada palabra parece cargar con el peso de un recuerdo doloroso, entregando una interpretación profundamente conmovedora y humana. Análisis de la Letra: La letra es una reflexión melancólica sobre un amor extinguido, marcado por la decepción y la pérdida. Versos y Pre-Coro: Establecen la narrativa de entrega y desilusión. Frases como "Entre tus manos dejé mi verdad" contrastan con la realidad de un silencio que "se hizo canción" y una mirada que "perdió la razón". El pre-coro profundiza en la duda y el vacío, cuestionando si el amor fue real o "solo un intento", mientras se observa cómo se borran las huellas del otro. Coro: Actúa como un estribillo catártico y afirmativo. La repetición de "Ese amor se apagó" sirve como una aceptación dolorosa. Sin embargo, el foco no está solo en la pérdida, sino en la reivindicación de la inocencia: "pero no fui yo quien lo apagó, fuiste tú quien lo perdiste". La metáfora de que el amado se llevó "toda mi primavera" transmite la magnitud de lo robado: la juventud, la alegría y la vitalidad. Puente: Representa el clímax de la desolación. La declaración "Yo lo di todo y más" choca con la cruda realidad de que solo recibió "vacío" a cambio. La imagen de las "ruinas en mi corazón" y la "historia sin final" encapsulan la sensación de abandono y la falta de cierre. Coro Final: La repetición intensa del coro refuerza el mensaje central, subrayando la autoría de la pérdida en el otro y cerrando la canción con un lamento resonante. El estado de ánimo general es reflexivo y melancólico, lleno de tristeza pero tocado por un tenue sentido de resiliencia en la claridad de saber que uno dio todo y no fue responsable del final. Es una confesión acústica cruda, atemporal y profundamente humana.

Haiku primavera

Haiku, primavera

Ilustración digital

No es desidia, tampoco desgana, solamente fallan las fuerzas, en esta primavera cruel que sigilosa mata.

Canción de la primavera para nivel preescolar

Canción de la primavera para nivel preescolar

Versos que florecen entre melodía española, un homenaje a la primavera española, contiene todas las comunidades del país. Es un canto a las fiestas primaverales españolas.

ilustración y patrón de punto de cruz

ilustración y patrón de punto de cruz

ilustración y patrón en punto de cruz