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Cayetana

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Las Rollas

Abuela de María

Velero en Ferrol

Velero en Ferrol

ENTRE ESTADOS es una serie de acuarelas originales que explora la aparición de la forma como experiencia de tránsito y transformación. Inspiradas en imaginarios orgánicos y criaturas liminales, las piezas presentan presencias que habitan un estado intermedio: formas aún abiertas, suspendidas entre definición y disolución, entre materia y posibilidad. La fluidez propia de la acuarela acentúa esta condición de inestabilidad fértil, proponiendo una reflexión visual sobre el umbral como territorio donde la identidad permanece en construcción. La serie aborda la resistencia no como permanencia fija, sino como capacidad de sostener la transformación sin precipitarse hacia una forma cerrada. ENTRE ESTADOS forma parte de la publicación colectiva ESTE y AQUEL Nº 02: LO QUE RESISTE, dialogando con los conceptos de tiempo suspendido, mutación y persistencia presentes en la edición. Serie original de acuarelas de autoría exclusiva de Luna Alison Robledo Mendez, integrada posteriormente a la publicación colectiva ESTE y AQUEL Nº 02: LO QUE RESISTE.

KANINCHEN LAPARATOMIE es una ilustración original que explora la relación entre anatomía, transformación y observación de los procesos vitales. La pieza presenta la figura de un conejo abierto mediante una laparotomía simbólica. Lejos de una representación anatómica estricta, el interior del cuerpo se transforma en un espacio de coexistencia donde convergen organismos, estructuras vegetales, elementos orgánicos y formas imaginarias. A través del dibujo lineal y la acumulación de detalles, la obra propone una reflexión sobre la permeabilidad entre vida y muerte, interior y exterior, organismo y ecosistema. La imagen dialoga con prácticas vinculadas a la observación biológica, la taxidermia y el estudio de las transformaciones de la materia viva, abordando el cuerpo como un territorio de tránsito y mutación constante. La obra es de autoría exclusiva de GABRIELA DURÁN SOL. La obra forma parte de la publicación colectiva ESTE y AQUEL Nº 02: LO QUE RESISTE, donde participa como una exploración visual de la transformación como condición inherente de la existencia.

VIGILIA es una serie de acuarelas originales que exploran la relación entre observación, permanencia y resistencia a través de formas vegetales inspiradas en plantas carnívoras. Las piezas proponen una lectura simbólica de la vida orgánica como estado de atención sostenida: organismos que persisten no desde la inmovilidad pasiva, sino desde una alerta silenciosa y sensible frente al entorno. La transparencia y expansión propia de la acuarela contrastan con la tensión contenida de las formas, generando una atmósfera donde belleza, amenaza y contemplación coexisten. La serie reflexiona sobre la vigilia como resistencia: una forma de permanencia consciente capaz de sostenerse en transformación constante. VIGILIA forma parte de la publicación colectiva ESTE y AQUEL Nº 02: LO QUE RESISTE, dialogando con los conceptos de tiempo suspendido, persistencia y conciencia latente. Serie original de acuarelas de autoría exclusiva de Tatiana Méndez, integrada posteriormente a la publicación colectiva ESTE y AQUEL Nº 02: LO QUE RESISTE.

Título: Anochece en la Puerta Viru Técnica: Acuarela sobre papel (húmedo sobre húmedo) Medidas: 28 × 38 cm Descripción artística (SEO optimizada): Anochece en la Puerta Viru es una acuarela contemporánea que captura la atmósfera evocadora del casco histórico de Tallin, centrada en las emblemáticas torres de la Puerta Viru. La escena se construye mediante una técnica de húmedo sobre húmedo, donde los pigmentos fluyen y se funden creando transiciones cromáticas vibrantes entre azules, verdes y amarillos, contrastados con cálidos matices rosados en el cielo crepuscular. La composición destaca por su perspectiva urbana que guía la mirada hacia el interior de la ciudad, reforzada por la presencia de figuras humanas en silueta que aportan escala, narrativa y profundidad. La arquitectura medieval se interpreta de forma libre y expresiva, alejándose del detalle literal para centrarse en la emoción lumínica del momento. Esta obra conecta con coleccionistas de arte contemporáneo, amantes de la acuarela urbana y seguidores de paisajes europeos con carácter histórico. Ideal para decoración elegante, colecciones privadas o como pieza central en espacios modernos que buscan un equilibrio entre tradición y modernidad. Paleta cromática dominante: Predominio de azules turquesa y cobalto, verdes esmeralda y amarillos luminosos, equilibrados con suaves veladuras rosadas y violetas en el cielo. Contrastes puntuales en tonos oscuros para figuras y detalles arquitectónicos. Interpretación simbólica: La Puerta Viru actúa como umbral entre el pasado y el presente, simbolizando el tránsito entre lo histórico y lo contemporáneo. Las figuras humanas, apenas definidas, refuerzan la idea de lo efímero frente a la permanencia arquitectónica. La luz del atardecer sugiere transformación, un momento de pausa donde la ciudad se vuelve introspectiva y casi onírica. Metadescripción Acuarela original de la Puerta Viru en Tallin al atardecer, con colores vibrantes y estilo expresivo. Obra contemporánea ideal para coleccionistas.

Anochece en la Puerta Viru es una acuarela contemporánea que captura la atmósfera evocadora del casco histórico de Tallin, centrada en las emblemáticas torres de la Puerta Viru. La escena se construye mediante una técnica de húmedo sobre húmedo, donde los pigmentos fluyen y se funden creando transiciones cromáticas vibrantes entre azules, verdes y amarillos, contrastados con cálidos matices rosados en el cielo crepuscular. La composición destaca por su perspectiva urbana que guía la mirada hacia el interior de la ciudad, reforzada por la presencia de figuras humanas en silueta que aportan escala, narrativa y profundidad. La arquitectura medieval se interpreta de forma libre y expresiva, alejándose del detalle literal para centrarse en la emoción lumínica del momento. Esta obra conecta con coleccionistas de arte contemporáneo, amantes de la acuarela urbana y seguidores de paisajes europeos con carácter histórico. Ideal para decoración elegante, colecciones privadas o como pieza central en espacios modernos que buscan un equilibrio entre tradición y modernidad.

Watercolor and 24 K gold, 190g/m2 42 x29,7cm

Watercolor and 24 K gold, 190g/m2 42 x29,7cm

Hacia la fe en la calle Alboraya Técnica: Acuarela sobre papel (húmedo sobre húmedo) Tamaño: 38 × 56 cm Descripción artística: Esta obra captura un instante suspendido entre lo cotidiano y lo trascendente en la calle Alboraya. La arquitectura sacra emerge suavemente entre veladuras azules, casi como una aparición etérea, mientras la luz cálida que brota del interior del templo actúa como foco espiritual y compositivo. La escena se organiza mediante una perspectiva profunda, en la que las líneas del pavimento conducen inevitablemente la mirada hacia el umbral iluminado. Las figuras humanas —apenas sugeridas— refuerzan el carácter narrativo de la escena: el ciclista en primer plano introduce dinamismo y vida contemporánea, mientras que los personajes cercanos a la entrada parecen atraídos por esa luz interior. La combinación de manchas sueltas y detalles arquitectónicos equilibrados genera una tensión poética entre precisión y evocación. Paleta cromática dominante: Predominan los azules fríos en múltiples gradaciones (ultramar, cerúleo y matices violáceos), que envuelven la escena en una atmósfera de calma y recogimiento. Estos contrastan con los tonos cálidos —amarillos dorados, naranjas y rojos suaves— concentrados en el interior del templo y en pequeñas notas en las figuras, creando un potente foco de atracción visual y emocional. La obra se sostiene sobre un equilibrio armónico entre temperatura fría dominante y acentos cálidos estratégicos. Interpretación simbólica: La obra plantea un diálogo entre el movimiento del mundo exterior y la quietud espiritual del interior. El título, “Hacia la fe”, sugiere un camino —no necesariamente religioso en sentido estricto— sino una búsqueda íntima, una llamada hacia algo más profundo. La luz que emerge del edificio puede interpretarse como símbolo de esperanza, refugio o revelación, mientras que las figuras humanas representan distintas formas de aproximación a esa experiencia: tránsito, contemplación o encuentro.

Técnica: Acuarela sobre papel – técnica húmedo sobre húmedo Dimensiones: 28 × 38 cm Año: 2026 Descripción artística Esta acuarela presenta una escena marítima de intensa síntesis formal, donde una pequeña embarcación verde flota en aguas serenas bajo un cielo crepuscular de vibrante transición cromática. La composición se articula horizontalmente, otorgando protagonismo absoluto a la atmósfera y a la gradación lumínica del horizonte. El cielo se construye mediante veladuras sucesivas que transitan desde azules profundos hasta naranjas cálidos y rosados suaves, creando una vibración cromática que evoca la calma suspendida del atardecer. El agua, espejo silencioso, recoge esos matices en una fusión casi imperceptible, reforzando la sensación de quietud y expansión. La barca, situada estratégicamente en el centro compositivo, actúa como punto de anclaje visual y emocional. Su color verde intenso introduce un contraste complementario frente a la gama cálida del cielo, generando tensión cromática equilibrada. Las líneas mínimas de los amarres y postes sugieren presencia humana sin necesidad de representación directa, reforzando el carácter contemplativo de la escena. La técnica húmedo sobre húmedo permite una expansión controlada del pigmento que intensifica la atmósfera envolvente, mientras las zonas oscuras en primer plano aportan profundidad y estructura espacial. Paleta cromática dominante Predominan los azules ultramarinos y cobaltos en la parte superior, fundiéndose con naranjas, amarillos cálidos y rosas suaves en el horizonte. El agua refleja estos matices en una transición sutil hacia tonos lavanda y gris azulados. La embarcación introduce un verde saturado que funciona como contrapunto cromático principal, mientras las sombras del primer plano se resuelven en azules profundos y negro marino. Interpretación simbólica La barca aislada en aguas inmóviles simboliza pausa, introspección y equilibrio interior. El horizonte, donde los colores se funden sin fronteras definidas, sugiere tránsito y transformación: el instante en que el día cede al misterio de la noche. Las líneas de amarre, apenas visibles, evocan la conexión entre libertad y arraigo. La embarcación puede desplazarse, pero permanece detenida, como metáfora del ser humano entre deseo de movimiento y necesidad de calma. La obra establece un diálogo entre inmensidad y soledad serena, invitando al espectador a una experiencia contemplativa profundamente emocional.

Técnica Acuarela sobre papel · Técnica de húmedo sobre húmedo Dimensiones 28 × 38 cm (Referencia de tamaño: 28 × 38 cm) Descripción de la obra Calma amarrada propone un paisaje mínimo y contemplativo donde el silencio se convierte en protagonista. La composición se articula a partir de una pequeña embarcación varada en aguas someras, reflejada de forma casi especular sobre una superficie líquida que diluye los límites entre cielo, tierra y agua. El tratamiento pictórico se apoya en amplias veladuras y transiciones suaves, permitiendo que el color fluya con naturalidad y que el espacio respire. El horizonte apenas insinuado y los finos trazos que delimitan postes y reflejos aportan estructura sin romper la sensación de quietud. La obra transmite una pausa emocional, un instante suspendido en el tiempo donde nada parece urgente. Paleta cromática dominante Gamas suaves de azules y celestes en la zona inferior, combinadas con rosados, malvas y amarillos cálidos en el cielo y el agua. La embarcación introduce acentos de rojos apagados y granates que aportan profundidad y punto focal a la composición. Interpretación simbólica La barca amarrada funciona como metáfora de la espera consciente y del descanso interior. No hay movimiento ni destino inmediato, solo presencia. El reflejo refuerza la idea de introspección y equilibrio, mientras el paisaje reducido a lo esencial sugiere una relación íntima entre el ser humano y la naturaleza, basada en la observación y la calma.

Málaga, a paso de tarde 38 × 56 cm Esta acuarela captura un instante cotidiano transformado por la luz del sur. La arquitectura monumental emerge suavemente entre veladuras cálidas y rosadas, mientras las figuras humanas, apenas esbozadas, aportan escala y vida al espacio. El tratamiento suelto del dibujo y las manchas de color sugieren más de lo que describen, invitando al espectador a completar la escena con su propia memoria del paseo. La obra transmite la calma de una tarde malagueña, donde el tiempo parece diluirse entre fachadas históricas, cielos abiertos y el rumor de la ciudad. Una interpretación emocional del paisaje urbano, más cercana a la sensación que al detalle, donde la acuarela actúa como vehículo de luz, atmósfera y movimiento.